作文一:《简单美丽的中国画图片》700字
简单美丽的中国画图片
作为我国传统艺术的重要组成部分,中国画是我国传统文化的重要组成部分。有很多人喜欢简单又美丽的中国画作品。你想之大是怎样的吗?今天先和文学天地网小编一起欣赏这些简单美丽的中国画图片,希望你会有所收获的。
简单美丽的中国画图片欣赏
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国画s线构图法
此种构图属传统构图。它与中国古代美术构图学中的之这构
图法方向正好相反,具有强烈的动感特征,能创造成出优美而又富于变化的艺术效果。构图时,形象要大小穿插、前后摭挡、相互响应、协调统一。
人物国画的装饰色彩
装饰色彩:以写生为基础把自然色彩加以强化变换和转移摆脱对自然色彩关系的依赖,带上作者的主观意愿和感情,以理想化的手法和浪漫的情调去自由运用色彩这就是装饰色彩。装饰色彩化了真实性逼真感,强调了个性化的色彩认识与感受,加强色彩的设计意识和认识意义。
这一切都基于装饰人物画的地与图的色彩需要及装饰形象的塑造的色彩需要,由此去寻找最美的色彩因素与色彩关系,去重新组合再创造,人为的营造出一个煽情的色彩的氛围,以此去刺激亢奋的崇高情绪,使色彩表现成为装饰画有机的统一体。从而达到完美的装饰效果。对装饰色彩研究我们不妨再从色彩对生理精神方面,可作以下相关的色彩归纳。
作文二:《中国画用纸及熟宣纸的简单介绍》1200字
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中国画的用纸:中国画用纸主要是宣纸、皮纸和绢等。宣纸又分为生宣纸、熟宣纸、半生半熟纸三种。好的宣纸具有棉、白、细、匀的特色,并且还要具有“发墨定笔”的特色(发墨指墨色在纸上生润有色,定笔指笔痕明晰)。生宣纸又按纸的厚薄分为单宣、夹宣、三层夹宣等几种。通常状况是薄纸渗化速度比厚纸快。半生半熟宣纸则是指渗化才能介于生宣纸与熟宣纸之间。宣纸标准有四尺、五尺、六尺、八尺、丈二等尺度之分。皮纸性能与生宣纸类似,纸质健壮且经得起重复皴、擦、揉、搓,但不易留笔痕,上色易暗淡。
关于熟宣纸:熟宣纸是将生宣纸用恰当份额制造的胶矾水刷制而成,不吸收水分,画工笔画时用这种纸。
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作文三:《简单又美丽的中国画图片》600字
简单又美丽的中国画图片
中国画成为中国民族文化的瑰宝和人民智慧的结晶,有很多人喜欢简单又美丽的中国画作品。那你想知道是怎样的吗?今天先和文学天地网小编一起欣赏这些简单又美丽的中国画图片,希望你会有所收获的。
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国画镜框形式
将字画用木框或金属装框,上压玻璃或胶片,就成为压镜。
现代胶片有不反光及体轻的优点。至于不反光的玻璃,不会影响人对画面的欣赏,所以很受欢迎。
清代花鸟国画历史
清代石涛、恽寿平、朱耷(八大山人)和扬州八怪等都在花鸟画发展史上占有重要地位,特别是八大山人以其独特的绘画语言,表现内心的忧伤与家国之痛,其笔墨与造型均独树一帜。而恽寿平的没骨花卉则在黄徐体异中得以综合与发展,为花鸟画新辟蹊径。此后,四任尤其是任颐,又加以弘扬发展,使得花鸟画在清末出现了一次小的高潮。
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作文四:《中国画简单介绍-什么是中国画》1300字
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中国画原来泛指中国绘画,是近代为区别明末传入的西画而出现的概念。较之西方绘画的造型方式和表现手法有明显的差异。它包括卷轴画、壁画、年画、版画等各种各样的门类;今作为中国的画种之一,指以中国独有的笔墨等工具材料按照长期形成的传统而创作的绘画品种。中国画不是一个符合艺术分类学的科学概念,按工具材料的区别,可以称为水墨画或彩墨画,与油画、水彩画、版画、水粉画并列;按使用上的不同,中国画作品可分别列入壁画、连环画、年画、插图之中;按题材之异,可以分别列入人物画、风景画之内。但是它毕竟以悠久的历史和独树一帜的特点,集中代表了中国绘画传统及其在新时代的更新,是几千年的中国文化传统的具体体现,在世界美术领域中自成体系,是东方绘画系的重要组成部分。
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作文五:《中国画的魅力 中国画的论文》2100字
学院:外国语学院
班级:英师1002
学号:3101702047
姓名:顾玥
中国画的魅力
“于千万人之中,遇见你所遇见的人,于千万年之中,时间的无涯荒野里,
没有早一步,也没有晚一步,刚巧赶上了,没有别的话可说,唯有轻轻的问一声:
噢,你也在这里。
---《爱》 噢,中国画,你也在这里!
一直都这样认为,中国画不似西洋画那般的浓墨重彩,它是朴素的,淡淡的,
柔柔的,给人一种舒适,清幽之感!在中国画中漫步,恰如行走于清晨的森林,
薄薄的雾气还未散去,朦朦胧胧的,偶尔,几缕俏皮的阳光偷偷地溜进来。这种
韵味,就如易安居士初见其夫赵明诚所写的那首《点绛唇》:见有人来,袜铲金
钗溜,和羞走,倚门回首,却把青梅嗅。中国画给我的感觉就是这样,含蓄的,
暖暖的。
在这简短的几周的中国画欣赏中,我就像一尾潜游的鱼,在中国画如掌纹般
的水里遨游。
中国画,历史悠久,远在2000多年前的战国时期就已出现,此后,中国画
就历经了从开端,童稚,成熟,升华的过程。由此可见,中国画凝聚着中华人民
的精神,代表了我们华夏子孙的民族意识和审美情趣。
通过学习,我知道了中国画的一些基本知识。按技法分可以分为工笔和写意。
工笔画用严谨的技法来描绘对象,更为注重位置,做工精美,用笔工整,作画步
骤清晰。而写意画则注重用笔,在笔墨的挥舞下表达出作者的内心情感。按题材
分可以分为人物画,山水画,花鸟画。人物画,描绘出人与人之间的活动,相较
于山水画,花鸟画,历史更为悠久。或是描绘深宫里的仕女图,或是历史故事图,
或是宗教图,人物画都力求人物刻画的逼真传神,气韵生动,形神兼备。山水画,
以山川河流等自然景观为主要的描绘对象,体现山的磅礴,或是水的汹涌。山水
画不刻意追求图画的真实,而以写意为主。一山一石,一台一阁,一树一花,皆给写意,不会斤斤计较比例等问题。花鸟画,以花卉,鸟兽,虫鱼为描绘对象,画家通过对这些对象的描绘,来表达自己的感情,来托物言志。因此,中国花鸟画往往是画家情感的寄托。另外,从绘画的技巧分,可以分为粗笔,细笔,写生等等。
就如何欣赏中国画,依我个人的观点,有如下几点;
1. 心要静
中国画欣赏是一个安静的过程,应该慢慢品味,细细咀嚼。倘若用一颗浮躁之心去欣赏,那么估计在其眼中,不过是一些普普通通的图片,枯燥,单调,乏味,怎么可能欣赏出中国画中的韵味。欣赏一幅中国画,就像去写毛笔字,心急吃不了热豆腐,若是心情混乱,写出来的字必定也是混乱不堪,反之,如是能安安静静的,有耐心的去写,完完全全的投入到一个旁若无人的境界,才会写出好字来。可见,一个良好的心态,对于欣赏中国画的重要性。中国画,就像出水的莲花,那样的清纯,来不得半点的污点。因此,我认为,欣赏一幅中国画,最基本的就是要有一颗安详之心,把心静下来,唯有如此,你才可能不断的深究,探索中国画的独特味道。
2. 略通一些诗词
我个人认为,一个好的中国画画家,不但要懂得画学,美学,也要懂得文学。我认为王维在这一方面做得很好,能够把画和诗相结合,并且结合的恰到好处。正如苏轼对他做出的评价:观摩诘之诗,诗中有画,画中有诗。可见,诗画的结合会使其都得到升华和发展。无诗的中国画,尤其是山水画,花鸟画,怎么都觉得有些肤浅;无诗的中国画,怎么也不能脱离一些俗气;无诗的中国画,怎么也觉得有些平凡和普通。诗与画,这两个不同种类的艺术体,却存在着千丝万缕的相通性,两者融合,合二为一,相得益彰。有诗的中国画,才有了灵气,色彩和线条才更有风格。
3. 要有想象力
一幅中国画,表面看似只是一些山水,人物,花鸟的泼墨,但其内在最精华的东西是画中的意境。可以这样说,画的意境就是中国画的灵魂。国学大师王国维对意境有这样的理解:境非独谓景物也。喜怒哀乐,亦人心中一境界。故能写
真景物,真情实感者,谓之有境界;否则,谓之无境界。虽然大师说的是文学,但我认为对于中国画欣赏一样适用。中国画出奇的绝不是描绘的逼真,而是其内在透露出画家的内心感受。因此,欣赏一幅中国画,我们不仅要关注外部,更要深究其意境之美。欣赏一幅中国画,将自己完完全全的置身于画家描绘的场景,体会画家当时的内心世界,或是想要建功立业的雄心壮志,或是表达自己怀才不遇的悲哀,亦或是表达对女子的爱慕等等,体画家所感,所想,所悟,所叹,惟其如此,才能真真正正的体味中国画的内涵。我想,若是一味的探究中国画的工笔,色彩,线条等外在之内容,就仿佛是漂于水面的浮萍,永远不知水底的奥妙;又像那只井底之蛙,以为自己看到了整个世界,殊不知是如此的无知,可笑。仅仅是欣赏其外在的,在他的眼里,中国画是暗淡无光的,与那些色彩艳丽的西洋画笔,是那么无趣。但他们不知中国画的魅力他们从未触及,从未见过中国画的灵魂。中国画不单单是无生命的画卷,它是有灵魂,有血性的。例如王冕的墨梅图,画的不仅仅是腊梅,更是寒冬中坚忍不拔,傲然挺立,不低头,不屈服的形象;又如郑板桥的竹子,真是“千磨万韧还坚劲,任尔东西南北风”。所以真正读懂中国画,要体味中国画的意境之美。
席慕容有这样一首诗:一生至少有一次,为了每个人而忘了自己,不求有结果,不求同行,不求曾经拥有,甚至不求你爱我,只求在我最美丽的年华里,遇到你。我想说:我很荣幸,在我一生最美好的时光里,我遇到了你---中国画,接触了你,欣赏了你。
作文六:《中国画及中国画教育的尴尬》3400字
中国画及中国画教育的尴尬
摘要 :新中国以来的中国画教育已经走过了半个多世纪的历史 , 中国画的教学已经由传统的拜 师学艺模式转变到了现在的美术学院的大规模扩招 , 中国画的技艺越来越普及。 在取得重大成 绩的同时 , 这种移植的教学体系在中国画教学方面也存在很大的弊端。 随着社会的发展和艺术 实践的深入 , 中国一些艺术家和教育家逐渐树立起了自己的文化自信心 , 越来越认识到现行的 学院中国画教学模式的问题存在着诸多弊端并亟待解决。
关键词 :中国画教育 ; 检讨 ; 对策
一、现状
新中国以来的中国画教育已经走过了半个多世纪的历史 , 中国画的教学已经由传统的拜 师学艺模式转变到了现在的美术学院的大规模扩招 , 中国画的技艺再也不是传统文人的专利 , 它随着教育规模的扩大已变得越来越普及。 由徐悲鸿、 蒋兆和、 方增先为主要代表 , 以西方造 型观念来统辖中国画教育成为中国画教育的主流。 以水墨加素描的方式来塑造现实对象 , 为中 国画在写实造型方面的开拓提供了可能 , 同时也丰富了中国画的表现技法 , 在形式上确实形成 了与传统中国画迥然相异的面貌 , 培养了一大批造型能力颇强的写实中国画家 , 应该承认它为 现实主义中国画的发展做出了重要的贡献。但是 , 再让我们回过头来看看中国美术的发展 , 我 们不无遗憾的发现中国画的这个现代写实体系却没能培养出像齐白石、黄宾虹、张大千这样 的大师级的画家来 , 而且立足于西方造型观念的教学体系本身也与中国传统文化有着相当大 的抵触 , 笔墨与写实造型时常产生冲突 , 通常是笔墨在表达严谨写实的造型时 , 自身微妙丰富 的效果荡然无存。 现在的中国画制作技术越来越精湛 , 但自身原有的民族精神、 价值和人文内 涵却是杳无踪影。本来徐悲鸿利用西方写实主义的造型观念在某种程度上来纠正清代以降传 统中国人物画在造型上的弊端 , 他并不是单一的强调写实造型这一个方面 , 也相当注重画家的 人文修养。他曾经说 :中国画家必须先取得文人资格 , 方显名贵。①看看我们现在的画家有几 人能取得此资格 , 名贵更是无从说起。 但是由于社会政治的需要 , 在此后的半个多世纪 , 正统学 院教育过分强化写实造型确有矫枉过正之嫌 , 反倒成了制约中国画发展的羁绊 , 西方写实造型 观念与中国画的笔墨精神产生了很大的矛盾 , 在教学实践中时时会产生一些令人尴尬的局面。 比如说 , 画水墨人物画的时候 , 往往很多学生认为现代水墨人物画与素描没有什么分别 , 只是 拿单色水墨画现实对象 , 并没有显示出中国画笔墨的独特魅力 , 中国画的精神就更无从谈起。 况且 , 我们的老师的画法并没有太多的体现中国画的艺术精神 , 教学上也基本上是水墨加素描 , 当学生问及这方面的问题 , 确实让老师感到尴尬 , 无从解答。西方写实主义的教学体系使我们 的中国画正在失去自身的魅力 , 但是现在我们还没有警觉 , 依然运用并沉醉于这一从西方移植 的教学模式。 随着社会的发展和艺术实践的深入 , 中国一些艺术家和教育家逐渐树立起了自己 的文化自信心 , 越来越认识到现行的学院中国画教学模式的问题 , 存在着诸多弊端并亟待解决。 二、弊端
现代学院中国画教育体系存在明显的弊端。
第一 , 不分专业的进行单一写实性教学 , 有碍于中国画各学科的个性发展。中国人物画在 造型训练的时候借鉴一下写实造型还是可以的 , 但是山水画和花鸟画并不一定也要严格的画 素描 , 这样容易失去中国画应物象形的美学本质。 中国画的造型不是要求画得跟对象一模一样 , 而是要与对象有一定的距离 , 即追求不似之似和美在似与不似之间的审美理想。 单一写实造型 模式阻碍了中国画造型方式上的广度 , 而且也妨碍了中国画造型人文内涵在深度上的开拓 , 以 至于大多数学生都是以写实独尊 , 而不能理解中国传统绘画中独到的造型方式 , 更不能认识到 其中深刻的美学内涵。 中国画的写意精神 (中国画整体意境是写意的 , 无论工笔还是意笔 ) 由于 单一的写实造型方式而很难得到体现。
第二 , 在中国画教学上不够系统。传统中国画的教育基本上是师傅带徒弟 , 学生可以通过
广泛而深刻的临摹名家杰作十分系统的学习国画的表现技法、构图方式以及精神意境等各项 内容 , 前后不会脱节 , 对绘画思想和技法训练都十分的有深度。但是现代学院教育却远远不如 传统教学有系统 , 由于教师的经常变更 , 以及每个教师的艺术思想有很大的不同 , 造成学生在 接受讯息的时候容易产生混乱 , 从而失去判断力。很多情况下 , 前一阶段的训练还没来得及消 化吸收 , 后面的课程又与前面的课程衔接的不是很好 , 学生很难整体的理解中国画学科训练的 全貌 , 大多是支离破碎 , 不能真正理解中国画的精神实质。
第三 , 由于长期的受西方绘画训练的影响 , 传统绘画思想和传统绘画技法的薄弱和中国画 审美标准的丧失 , 使学生对传统中国画审美本质的认识几乎是一无所知。 传统神、 妙、 能、 逸 的独特审美评价体系在现代丧失殆尽 , 对中国画的评价基本上是拿着西方艺术的观念来评判 的 , 从而导致了整个社会对中国画评价体系的西化。我们现代的中国画制作的是越来越细 , 然 而人文内涵却是显得十分的单薄 , 这样的绘画在国画的审美评价看来充其量只算是能品 , 有些 作品只是一味的谨细 , 连能品也算不上。但是令人遗憾的是这样的作品在当代却是比比皆是 , 而且成为时下一种相当流行的风气 , 画家急功近利、哗众取宠的状态可见一斑。
第四 , 现代学院中国画教育过分注重技法的练习而忽视了中国画最为重视的道。 道其实就 是根植于中国人意识中的哲学思想 , 是中国人对宇宙、社会和人生的基本思考 , 中国画是通过 绘画的技来体现道的 , 这个根本思想很多人还没有搞清楚 , 所以就不可能画出有深度的中国画。 同时中国画又是人文特征很强的一种艺术门类 , 它十分强调绘画的文化含量。 中国画最为典型 的特征就是诗书画印一体 , 但学院学生整天是对绘画本体的重视 , 想尽办法把画画得如何的细 致和深入 , 而忽视了画外之功。 现代学院教育对传统诗文、 书法篆刻、 传统哲学和画论等传统 文化课程的设置相当的有限 , 有的学院甚至没有安排此类课程。 这样很难培养出具有高品位的 中国画画家 , 更不会创作出真正代表我们时代而具有中国文化深度的伟大作品。
三、对策
要改变当前中国画教育的现状和纠正其种种弊端 , 尽管有着很多困难 , 但我们应该积极面 对 , 并制定行之有效的应对措施。
第一 , 要改革现行的美术学院中国画专业入学考试制度。 现行的美术高考入学是不分专业 , 一律实行统一考试 , 通常是素描、色彩 , 即使是考国画专业的学生也是如此。考生们每天都在 面对着石膏或真人一遍又一遍的磨着光影 , 塑造着三度空间 , 对绘画造型的认识从一开始就蒙 上了西画体系的影子。这种考试的方法 , 从源头上就阉割了中国画的生力军 , 这种破坏性的影 响太深远、太彻底。一开始所形成的对事物造型的关照方式 , 在后来的绘画实践中很难扭转 , 所以对这些一开始学画就接受西化教育的学生来说 , 中国画也无非是换了一种工具而已 , 他们 画画的方式也只是拿着毛笔画素描 , 对于中国画独特的人文内涵可以说是一窍不通。 当然我们 不可能让学生从小就受到中国画的浸染 , 但是在他们开始准备学习中国画的时候 , 我们的考试 制度最好能让这些学生一开始就能学习中国画 , 以中国画独有的关照世界的方式来进行基础 训练。在入学考试科目的设置上 , 完全可以用传统的白描和书法 , 白描纯粹是用线条来表现形 象 , 通过线条自身的丰富变化和线条组织所形成的丰富节奏来概括提炼形象 ; 书法是保证了中 国画用笔的技巧高度 , 深化对线条的认识。这样的考试科目很中国化 , 学生通过这样的练习很 容易理解中国画美的本质 , 这就为进入美术学院中国画专业进一步的学习做了很好的准备。 为 了训练学生敏锐的观察力和快速捕捉对象的能力 , 可以增加以线条为主的速写和默写测试。 速 写这种方式也不是西方的 , 中国古代画家也经常使用 , 他们在画一个人的肖像的时候 , 往往是 暗中认真观察 , 先用速写的手段草草画就 , 然后再通过心识默记加工完成。这种考试方式是基 于中国画自身的评价标准去选择学生 , 值得思考。
作文七:《中国画的意境》500字
浅谈中国画的意境
如果说西洋古典绘画是“尚法”的,注重对事物的科学再现,
那么中国古典绘画则是“尚意”的,注重表现,注重抒情。所谓“尚
意”就是注重对意境的表现,
所谓“意境”,查《现代汉语词典》,是指“文学艺术作品通过形
象的描写表现出来的境界和情调”。中国画的意境就是画面所呈现
的境界和包融的画家的主观情感。
中国画的意境突出地表现在两个方面——
一、先谈诗画合璧:
中国画在其发展过程中逐渐形成了诗、书、画、印相结合的综合
艺术形式。画家在画完一幅画以后,还要在画面上题款、盖章,这
件作品才算最后完成。题款的诗文内容,可长可短,可以只是一个
题目、两句诗、一首诗、甚至一段长诗。题款的诗文内容同画面有
深刻的联系,画家往往通过题款即景生情,抒发情怀。甚至生发开
去,另拓天地,竟在画面上出现一段精粹的画论。或者是发人深省
的人生哲理,使欣赏者感受到强烈的艺术魅力。苏东坡尤喜在画面
上题诗,诗文书法与画面相映生辉。题款诗文,发展到明清进入极
盛时代,尤其是石涛及其后的“扬州八怪”,他们的题款,纵横跌
宕,妙趣横生,达到了极高的艺术境界。历代画家留下了大量的题
画诗,成为中国诗歌园地的一朵奇葩。
中国文化历来讲究境界,特别是文学作品中的诗词。中国画在其
作文八:《中国画的特点》3400字
中国画的特点
伴随中华民族五千年的历史,中国画的形成和发展已经走过了一个漫长的道路。漫长的岁月,悠久的历史,古老的民族,灿烂的文化,孕育了独特的艺术。经过历代艺术家的辛勤耕耘和求索,中国画以中国画的特点是什么,
中国画的特点是什么,伴随中华民族五千年的历史,中国画的形成和发展已经走过了一个漫长的道路。漫长的岁月,悠久的历史,古老的民族,灿烂的文化,孕育了独特的艺术。经过历代艺术家的辛勤耕耘和求索,中国画以其特有的观察方法和表现形式,独特的艺术魅力,形成了一个完整的体系和强烈而鲜明的艺术特色,在世界绘画历史上占据了一席极其重要的位置。
中国画之所以获得如此殊荣,以至于同希腊的雕刻、法国的音乐、被誉为世界人类艺术宝库的三杰,这是因为它具有其他绘画所没有的民族风格和独特的艺术价值。
一、中国画的特点
1首先,中国画同西洋画相比,在使用材料、工具方面不同。中国画所使用的笔、墨、纸、砚、色等传统工具材料,经过数代劳动人民及书画家的努力,不断改进完善,已达到高度的和谐完美的程度,设想要完成一幅中国画离开柔软而富有弹性的毛笔,浓黑而具有光泽的墨,洁白而细腻的宣纸,淡雅而又富于装饰效果的矿、植物颜色,是绝对办不到的。中国画的特点是什么,虽然,现代我国的成千上万的画家,都在绞尽脑汁不断探求各种新的材料、工具和技法的创新,但也只有局部的一两个方面的变化,同时也不是主流。大量考古及资料证明,传统材料工具的使用已经在中国延续数千年,其民族特色历久不衰,根本就在于其强大的生命力。
2中国的笔墨技法与西画不同,引中国书法用笔入画,追求绘画的形式意味和个性表现。正所谓“书画同源”,中国画和中国书法从初始以来,一直是亲如联袂,密不可分。笔墨作为中国画艺术表现手法,虽然只是局部,而不是全局,但笔墨作为中国画关键一环,却在每一笔、每一划中浸透了中国画的全部特征。如中国画线条追求的是锥画沙、屋漏痕、折钗股、虫蛀木的艺术效果;追求书法用笔、刚柔劲健、毛涩圆厚、快慢轻重、提按顿挫的变化;追求用墨的干、湿、浓、淡、重、焦、枯、润的韵味;追求笔、墨、色在宣纸上出现的自然复杂变化和意想不到的情趣。一幅好的中国画,无论从整体欣赏或从局部欣赏,每一个线条讲究意在笔先,意到笔不到,每一块墨迹甚至每一个苔点,它的抽象美都可以反映出一个画家的功力,都会给观者以无可言状的感染与享受。
3中国画的意境追求的是诗的意境,空阔流动的意境,不受真情实景的制约,不受光源、透视、投影的约束,讲究以线界形,散点透视,写其意而不重其形,以形写神,迁想妙得,“似与不似之间”。敢于用浪漫的手法删繁就简,大胆提炼取舍,以小胜大,以少胜多,计白守黑,使人产生丰富的联想,产生‘意中有意,味外有味’的耐人寻味的艺术形象。
4中国画有独特的表达思想内涵的方法,画家可以通过熟练驾驭笔墨的能力,注入自己的思想感情。或喜、或怒、或歌颂、或宣泄,通过大胆的以意写形,大胆的夸张变形,在笔下得以自然的流露,直抒内心情感,而被描绘的客观实体却退归次要地位。如清初‘四僧’画鸟画鱼,常画成白眼看天,借以体现其傲世不群的气质和隐喻地抒发其对清政府愤懑不平之气。历代文人喜画清瘦的梅、兰、竹、菊,寓意自己的清高、无为。透过恬淡的笔墨,体现了当时中国封建社会在野文人和士大夫的人生观和处世思想。笔墨当随时代,运用传统的笔墨,挥写现代丰富多彩的画卷,反映新时代的生活,是时代赋予我们的责任。同样的笔墨工具,同样的题材,又可以赋予它不同的思想内涵,如:山水表现时代风貌,画竹表现虚心向上,画梅表现傲骨风姿,画牡丹表现欣欣向荣等等不一而足。
5中国画有其独特的构图手法,根据内容和题材需要安排画面,苦心经营。在穿插引破、疏密聚散和大与小、多与少、纵与横、长与短中造险破险,在和谐中求变化,变化中求统一。一幅画的定局首先要有势,即总的趋势。特别是花鸟画构图,还要注意适当运用引、伸、回、堵、泻的手段,防止出现花木枝条的平行、对称、相等、均衡的通病。中国画运用散点透视的方法,不受时间、空间的限制,可以集中四时花卉于同一画面,聚险峰、奇树于一体,根据画面需要安排布局。
6中国画熔诗、书、画、印为一炉,也是其它绘画所绝无仅有的。宋代以后,文人画的兴起,当时许多画家既是书法家,又是诗人,又擅治印。将诗书、题跋、篆刻引入画面,从而更加丰富了中国画表现形式的完美性。使诗书画印结合的浑然一体,从而奠定了中国民族绘画的基本特点。
7此外,中国画的独特的装裱方式也起到了画龙点睛的作用。俗话说:“三分画,七分裱”,本来皱褶不平的画幅,经过装裱,使画心的颜色、墨色衬托得鲜艳醒目。特别是加上古色古香的绫子,再配上天地轴,顿使画面生辉,成为一个完美的艺术品,更使其欣赏价值、收藏价值得以增值。
以上是对中国画特点的一点浅薄认识,中国画博大精深,内涵丰富,特点鲜明,又经历代名家不断完善,已成为我们民族的骄傲,民族的象征,其艺术价值也是广泛久远的。
二、中国画的艺术价值
1中国画的美学价值在于美化人们的生活,陶冶人的情操,丰富人的内心精神世界,满足人的精神文化需求。中国画经过几千年的锤炼概括,其线条力度和韵味的抽象美,完全超出其绘画本身的意义,变得更有助于个人修养和风格直抒画者的胸怀。它的客观物象的“内容”已化入画者主观心境的笔墨“形式”,给观者留下的则是无以言状、潜移默化的感染和美的独特享受。人类生活离不开物质生活,同时更需要精神生活,需要得到精神享受。而作为可视艺术的绘画,它深深植根于中国人以及全人类的心目中,中国画有其独特的魅力和影响。
2中国画的史学价值也是不容忽视的。中国画同中国文字及其它姊妹艺术,作为中国古老文明古国的文化传统的一部分,在史学中占据了一席重要位置。研究中国历史,离不开传统绘画史,一部中国绘画史,记录了中国历史的全部发展痕迹。且不说青铜时代的纹饰,秦汉时代的陶俑、墓砖,唐代的雕刻、壁画,就拿北宋时期张择端的《清明上河图》来说,其描绘的汴梁城的风俗画,几乎摄取了京郊至市中心绵延几十里的景色,五行八作、各类建筑、各式人物、各种服饰应有尽有。其构图之精巧,内容之丰富,刻画之精微为举世罕见。为研究北宋历史发展、经济繁荣、社会变迁、风俗人情提供了诩实的依据,是一幅不可多得的艺术珍品。又如清代的扬州八怪,怀着对当时官场腐败的厌恶和个人生活遭遇的坎坷与愤懑之情,独辟蹊径、自成画风。或以诗、或以画,反映对当时社会不平等的态度,同情贫困弱者,鞭挞封建当局,为当时社会生活作了生动的写照。为今天研究社会历史提供了不可多得的材料,近代史上兴起的漫画艺术、蒋兆和的《流民图》、白石老人的画风变法,无不渗透和记载着社会发展的轨迹,反映时代的心声。
3随着新中国的诞生和改革开放的潮流,中国画受世界美术的影响,已形成一个百花齐放、异彩纷呈、流派众多的局面。中国画走向世界是众多美术作者和关心、支持、爱护这朵奇葩的所有人士的共同心声。美术界的对外交流,促进了同世界各国人民的友好往来,传播了中华民族的优秀文化传统,使世界认识了中国,也使中国认识了世界。
以上是自己对中国画及其艺术价值的粗浅理解,中国画无论从笔墨技法、表现形式以及使用材料,都经过不断的发展、取舍在日新月异的变化,而且在发展中不断在丰富其形式和内容。探索无禁区,发展无止境。但是不可否认,当前对中国画向什么方向发展,中国画如何走向世界,中国画的民族传统是全面继承还是全面否定,存在着截然不同的看法。一种认为中国画已陷入形式的泥潭,传统的笔墨没有生气,继之而来的是,一批反传统,反文化,
反理性的新派、潮派作品的兴起。另一种则认为,中国画完美无缺,从内容到形式都让人叹为观止,还发展什么,反映在作品中则是由传统到传统,言必称某家某派,行必信十八皴、十八描,笔笔有出处,不敢妄自越雷池一步。我以为这两种观点都是片面的,静止的,孤立的唯心主义观点,唯物的观点认为,整个人类文化是一个在动态平衡中发展的有机体,这是不以人们意志为转移的。中国画要走向世界是无疑的,关键是如何走的问题。世界性艺术不应该是一个统一的模式,作为中国画艺术,首先要反映本民族的生活,具有鲜明的民族艺术特征。没有民族性就谈不上世界性,但民族性并不是一成不变的。中国画的特点是什么,一个没有发展的民族是没有前途的民族,一个没有发展的民族艺术,同样是一个没有前途的艺术。人类要发展,民族要前进,艺术要进步,这是客观规律。
作文九:《中国画的概念》4300字
中国画:简称“国画”,在本世界美术领域内自成都
市独特体系。它用毛笔、墨,和中国画颜料,在特制的宣
纸或绢上作画。在题材上有人物画、山水画、花鸟(卉)
画动物画等之分。在技法上又可引为工笔画和写意画两
种,各有蹊径,互有特色。在人物画方面,从晚周至汉、
魏、六朝逐渐成熟。山水、花鸟等至隋唐之际,始独立形成画料。到五代、两宋、流派繁多,为高度发展阶段。元化水墨画盛行。明、清
和近代,大体录袭前规。在各个时期中,都出现了不少革新造性的画家。在世界
美术领导或中国画具有鲜明的民族形式和独特风格。在描绘物象上,主动运用线
条、墨色来表现形体、质感,有高度的表现力,并与诗词、款赋、书法篆刻相结
合,达到“形神兼备”气韵生动的效果。另外中国画,还有着独特的装裱形式,
起到衬托画体的作用。
宗教画:取材于宗教之教义,故事和传说且服
务于宗教宣传的绘画。如道教中表现神仙的画像,
佛教中表现佛本生故事的绘画,中国道教题材的绘
画早在魏晋时代就有专门关于神仙和传说中故事场
面及神仙形象的绘画。佛教绘画兴盛于中古时代的
印度,后流传入中国(随佛教流传)后,逐渐被中
国古代画家用中国绘画的形式描绘而形成了中国特
色佛教绘画。
院体画:我国唐代已设徐诏、供奉等。五代时,
西蜀、南唐设置画院。宋代设翰林图画院,选优秀
画家,为皇室宫廷服务。历代画院里所画的山水、
花鸟、人物等,大都是要求用笔没色,整细致、富
丽堂皇,构图严谨,色彩灿烂,有的有较强的装饰性,称之为院体画。
民间画:在中国画中指除专业画家、文人画家
等之外的专以绘画为生存手段而迎合一般市井习俗
而从事绘画的街头艺人所作的种种画作。其作品倾
向艳丽甜俗细腻,不同于专业画家、文人画家,所
作的画作较为讲究诗意,画境等文化内涵。而为一
般文化层次的平民喜爱。民间画又称匠人画,比起
院体画缺乏严格的技巧训练;比起文人画,缺乏文
学和理论修养。但是,它有些又趋于朴实、热烈某
些优点也是文人画与院体画所不及的,也有时为文人画和院体画所吸收。
动物画:在中国画中以动物形象作为艺术语言,
以表达人的希望,幻想和各种感情的一种绘画,描
绘的题材很广泛,凡动物均可入画,但主要对象为
人们常见的家禽,家畜和动物园中的各种动物。动
物画不要求维妙维肖,允许夸张与变形,但要有个性,要能引起观众的共鸣和生活美的联想
扇面画:在中国画门类中,历代书画家都喜欢
在扇面上绘画或书写以抒情达意,或为他人收藏或
赠友人以诗留念。存字和画的扇子,保持原样的叫
成扇,为便于收藏而装裱成册页的习称扇面。从形
制上分,又有圆形叫团扇和折叠式的叫折扇。
浅绛山水画:中国
山水画中的一种没色
技巧。即凡以淡红青色彩渲染为主山水画,统称浅
绛山水。其方法是先用浓淡,干温变化之墨线勾勒
轮廓结构变化之后,再施以淡的赭石,(或掺少稍
失砂类)染山石,树木结构处。最后用淡花青类色渲染即成。
青绿山水画
青绿山水画(兼金碧山水):系中国画中施用
浓重的矿物颜料的石青和石绿颜料为主。表现山石
树木的苍翠而得名。也有在青绿山石的轮廓上勾以
金石,这样的山水画又称金碧山水。青绿山水始创
于唐氏的李思训,北宋的王希孟所画的《千里江山
图》也是青绿山水的代表之一。
没骨(法)画:中国画传统花卉(花鸟)画的
一种画法。直接用颜色或墨色绘成花叶,而没有“笔
骨”——即用墨线勾勒的轮廓。据宋代郭若虚《图
画见闻志》记载,这样画法始于五代的徐熙,徐崇
嗣祖孙。其实始于黄筌,徐崇嗣仅是“郊诸黄之格”
而已,《宣和画谱》著录有黄筌《没骨花枝图》一件;《洞天清录集》说黄筌“真
似粉堆,而不作圈线”,(注:在中国古代粉即是色),这即“没骨画法。”
工笔画:中国画传统画法之一。画法比较工整
严谨,以描绘被画对象的准确形象为准则。相对于
“写意画”。(以描绘被画对象的大意为原则)而
言。总的来讲,工笔画用笔工整细致,敷色层层渲
染,细节刚彻入微要用极细腻的笔触描绘物象,故
称“工笔”。
主题画:在中国画中,画家通过一定的故事情节人物、场
景、题材展示给欣赏者的地社会和人生的某种看法或感想。或
对某些历史故事事件的等的形象与场景的形象刻划与再现等。
具有一定的再现性,真实性,或揭示性。一般每幅画的立意比
较明确。时间、事件等较为明晰。
写意画:中国画传统的画法之一,相“工笔画”而言,
用豪放、简练、洒落的笔墨描绘物象的形神,抒发作者的感情。写意画在表现
对象上是运用概括、夸张的手法,丰富的联想,用笔虽简但意境繁邃,具有一
定的表现力。它要有高度概括的能力,要有以少胜多的含蓄意境,落笔要准确,
运笔要熟练,要能得心应手,意到笔随。
界画:中国绘画很特色的一个门类。在作画
时使用界尺引线,故名:界画。起源很早,晋代
已有。顾恺之有“台榭一足器耳,难成易好,不
待迁想妙得也”的话。到了隋代,界画已经画得
相当好。
《历代各画记》中评展之虔的界画说:“触物
留情,备皆妙绝,尤垂生阁”;评董伯仁的界画,
赞他“楼生人物,旷绝古今”。李思训的《九成宫纨扇图》、《宫苑图》等,也是很高成就的,到晚唐出了尹继昭,五代有卫贤赵
德义,赵忠义等人,宋初有郭忠恕。
元代有王振鹏,李容槿,明代有仇英,清代有袁江,袁耀等。现存的唐懿德
太子李重润墓道西壁的《阙楼图》是目前我国最早一幅大型界画,宋代的著名界
画有《黄鹤楼》、《滕王阁图》等。
指画:中国传统绘画中的一种特殊的画法。即以画家的手
指代替传统工具中的毛笔蘸墨作画,别有一种特殊趣味和技
巧。故被称为指画。历史上清高其佩近人潘天涛,洪世清所作
指画作画作品其影响较大。
山水画:系中国画,特有的画种之一。在魏晋
南北朝时已逐渐从人物画中分离出来,形成独立的
画料,到唐代已完全成熟。山水画,是禀爱自然的
精华,天地的秀气,所以阴阳、晦冥、晴雨、寒暑、
朝昏、昼夜有无穷的妙趣。从六朝到唐山水画家虽
然很多,但他们的笔法,位置却很古拙。到了李思
训、王维、张等便较为完善了山水画的画理、画法,章法(构图)逐渐形成了中国山水画的面貌。五代的荆浩、关同更有新的创新,
一流陈规旧习。出现了新的局面。到了宋代、范宽、李成三家鼎立,前无古人。
山水画法达到了几乎完美的境界。
花鸟画(花卉画):系中国绘画门类中特有的
一种绘画画种。以描绘花卉、竹石、鸟虫等为作画
主体。在我国四.五千年以前的陶器上就出现了简单
的鸟鱼图案,可以作为我国最早的花鸟画。唐张彦
远《历代名画记》载:东晋、南朝宋时画在绢帛上
的花鸟画已逐步形成了独立的画料。到了唐代,已趋成熟,出现了以工笔勾填画
风艳丽的边鸾和以墨代色,墨分五彩的殷仲容。五代时发展有两,即“徐、黄二
体”。一宗徐熙、一宗黄鉴。明代沈启南、孙雪居等。涉笔点染,亦追徐熙。徐
青藤的花卉,超然畦迳,经清石涛到“杨州八怪”的花卉,更完善地形成了诗、
书、画三绝。
小品画:系中国画画家比较自由抒情作品,随意之作,往
往在艺术水平达到较高境界。其原因大概是出于在思想上没有
过多的拘束,绝属随意发挥所致。
水墨画:在中国画中,以中国画特有的材料之一,墨为主
要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等,
画出不同浓淡(黑、白、灰)层次。别有一番韵味称为“墨韵”。而形成水墨为
主的一种绘画形式。
彩墨画:在中国画里,以“水墨画”为基底,在其上敷色、
点彩,使画面较之水墨画在色彩上较为丰富、明快、鲜亮。
白描画:在中国画里,纯以笔勾勒线条而不设色。或渲染
水墨来描绘景物或形象的一种绘画形式。也是中国画的基础训
练形式之一。对于训练中国画家的造型能力是必不可少的一个过程。
仕女画:仕女,古代宫女。仕女画:是指以美女为主要描
绘题材的人物画。最早始于战国。唐张彦远《历代名画记》载:
“散君者,善画,齐王妃,九重台,召散君画之。散君久不得
归,思其妻,乃画妻对之,齐王知其妻姜,与钱百万,纳其妻。”
在古代画迹中,象唐周旷《秋风纨扇图轴》、《宫装仕女图》
清改奇《百美图》等作品,均属仕女画珍品。仕女画的特点,
大都以工笔重彩为主要表现形式,并富于浓烈的装饰。
禅宗画:“禅”字的含义是沉思瞑想,从而得到精神上
自发性的领悟。
原为印度佛教教义所包含的参禅观念,约于五世纪末由
菩提达摩传入中国,融入人中国精神的实用主义,发展成一
种特殊的宗教修行,佛教的本质是对佛的醒悟,即自身的醒
悟。“禅宗绘画”是宗教思想影响和需要的产物,表现在禅
宗绘画上即为自五代开始流行的罗汉图及禅僧 的顶相图等,
在绘画风格上,变唐以来谨严整饰的画目,形成疏简章略的
水墨画法。这种以禅僧墨戏为主动脉的绘画风格标志着水墨
画的成熟。这种风格的形成直接来源于禅宗思想的影响。“要在顿悟见性,一念
悟时,从生是佛,从自心对于客观物象的直接体验,并不受任何拘束的、不经主
观刻意的入画。禅画试图把人的日常生活经验变为一种神秘的,或是先验的东西。
禅画不是说教性的,而是是启示性的。
禅宗绘画一般不题长款,也不多用印章。仅落名款甚至一字不题。禅画是沉
思入悟的一种形式,不在言辞。挂于是禅寺中旨在使思想平静下来,从理性意识
转到意识的直觉状态。禅画风格,分两类,一为即兴性的,即和禅宗悟道的状态
相接近;一为兼工带写的风格,技法上写宋院体画相类似又不尽相同甘共苦,以
尖而破的中锋枯笔干擦,笔致松秀、苍郁,沉着自然,细节刻划入微。
静物画:即以相对静止的物体为主要描绘题材的
绘画。这种物体(如花卉、蔬果、器皿、书册、食品
和餐具等等)必须是根据作者创作构思的需要,经过
认真的选择,经过精心地摆布和安排,使许多物体在
形象和色调的关系上,都能达到高度表现,总的谐和,
能传出物象内在的感情。静物画中所描绘的这些物
体,虽很普通,但它却包含了深刻的意义。如早在宋
代李嵩的《花篮图》,精心描绘了堆满花篮的各种春
花,给人以春意盎然、百芳争艳、万物扶疏的感觉。宋人《出水芙蓉图》通过对芙蓉花的细腻描绘,给人以清新恬静和芙蓉花丰盛、
娇柔而挺健的美感。在现代的静物画作品中,如齐白石的《蔬菜》和《樱桃》,
虽寥寥数笔,却深刻地抒发了画家对今天生活的无限热爱。并使观感者联想到人
们日常生活中所接触和所必需的一些东西;联想到江南初夏麦黄季节的美好图
景。静物画表现生动活泼、鲜明有力,具有给人以鼓舞、使人兴奋向上,引人对
生活产生无限热爱的艺术感染力。一幅好的静物画,必须要尽可能的充分表现出
有助于描绘出对象的精神实质的正确的形象和色彩。
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作文十:《中国画的题款》8200字
中国画的题款
题款也称落款或款识。古书记载对款识说法不一,如“款、刻也,识、记也”,“款是阴字凹入者,识是阳字凸起者”,“款在外、识在内”,“花纹为款,篆刻为识”等。后来在书画上标题姓名、年月、诗文等均称款识。
国画题款落款与印章
国画的题款有着悠久的历史,早在汉代出土的壁画及帛画上就已有明确的题字,但画家真正有目的地在画上题款,据记载是从唐代开始的。唐人题款多藏于树根石罅之中,到了宋代以苏轼等文人为代表的文人画家开始大量地在画面上题字,元代以后题款艺术已经成熟,元以后,几乎每幅画都有题款。
题款,又称落款、款题、题画、题字,或称为款识,是指古代钟鼎彝器铸刻的文字。画的题款,包含“题”与“款”两方面的内容,在画上题写诗文,叫做“题”。题画的文字,从体裁分有题画赞、题画诗(词) 、题画记、题画跋、画题等。在画上记写年月、签署姓名、别号和钤盖印章等,称为“款”。有的款文还记写籍贯、年龄以及作画处所等等。如系赠人之作,又须写上受赠者的姓名、字号、称谓以及应酬语和谦词等等,内容与格式变化纷繁。在实际应用之中,人们对题与款的区分并不严格,有时笼统称为题款。题款不仅要求诗文精美,同时也要求书法精妙,因此, 题款必须在文学和书法上同时具备较高的修养。
题画诗或文的内容是极为丰富的,它是中国画必不可少的组成部分,诗文、书法和绘画完美结合在一起,称为“三绝”。古人云“功夫在诗外”,这种画外功,有时对画的品位有着重要的作用。好的诗文,对于丰富画面,深化作者的情感,增加画面的表现力具有重要的意义。诗文的优劣可以说是作者文化修养的具体展现,是中国画的重要组成部分。
画上题款,是靠书法具体实现的,如果书法欠佳反破坏了画面。中国画讲“书画同源”,一方面是技法的相互渗透,另一方面表现在题字、题款上,要求款式风格要和画风相和谐,笔法相统一。一般说来,工笔宜用篆书、隶书和楷书,写意宜选择草篆、草隶和行书。无论是工笔还是写意,正常情况下,均以浓墨题款。文字的排列,以与画面协调为宜。
印章有随款印即姓名印、字号印、引首印、布局印,或谓之闲章,多以格言、吉语等为内容,还有压角章与栏边印等。图章的使用一般宁小勿大。图章的作用可以丰富画面,起到点睛的作用,它要求印要精良,印风格要和画风相一致,一般写意宜用粗放的印,工笔宜用工整的印。
中国画是融诗文、书法、篆刻、绘画于一体的综合性艺术,这是中国画独特的艺术传统。中国画上题写的诗文与书法,不仅有助于补充和深化绘画的意境,同时也丰富了画面的艺术表现形式,是画家借以表达感情、抒发个性、增强绘画艺术感染力的重要手段之一。
总之,一幅优秀的中国画,应该是“诗”、“书”、“画”、“印”完美地结合在一起的作品,它们是一个不可分割的统一体
在画幅上题款,是中国画增添诗情画意的一种重要的艺术手段。题款是整幅作品的组成部分,在构图部起稳定和平衡作用,还可弥补绘画构图中不足。通过题款可使观赏者获得“画外之意”。题款的内容除姓名年月外,诗词歌赋、画理画论、杂感记事、短评题跋语、散文小品、有韵无韵均可题用。
在画上题款是我国传统绘画的一种创造,是经过较长的历史发展而形成的。五代以前的绘画除少数外一般都不落款,宋代画题款逐渐增多,但尚未普遍,现在的两宋名画中,无款、无章者仍为多数。元代文人画有较大的发展,在书画上题款也日益普遍。明、清的绘画题款,比元代更进一步,并且逐渐讲究其艺术性,要求书画并工。
题款的形式多样,以下略举几例:
单款:又称名款,只署画家姓名、别名、画名和年月。
双款:除作者名款外,还署画受画者的名字和与画家的关系。如唐寅的《落霞孤鹜图》上款题:晋昌唐寅为德辅契兄先生作诗意图;再如华岩作《听松图》款书“丙子夏六月为瑞玉师五十寿诗画并请正新罗山人时年七十有五”。
题诗款:可题画家自作的诗词或用古人的诗词。可长可短,可题全诗,也可选其中一句、两句,所题
诗句不仅与绘画有关,还可补充画意之不足。如奚冈的《晚晴图》山水间没有画人,作者时题上:“隔岸游人何处在,数声鸡犬夕阳残”。观画读诗,似见游人徜徉于傍晚的山水之间,达到题诗之妙,在于使画尽而意无尽。明清文人画家往往借题发挥,表达他们对人生、对社会的看法。如徐渭自题《葡萄图》内有:“笔底明珠无处卖,闲抛闲掷野藤中”的诗句,抒发他怀才不遇的心情。
题记款:可记叙画家创作此画的过程、感受,借助文字阐述作品的主题思想、创作意图。
夹画款:是将题款夹杂在画幅的空隙之中,如郑板桥的墨竹,将款散散落落地写在竹竿之间。
题款的字体篆书、楷书、隶书、草书、行书均可,但题款字体要与画相和谐。工笔画宜楷书、篆书,字体略小些;写意画宜用行书、草书,字体可大些。清人郑绩说:“山石苍劲可款劲书,林木秀致当题秀字,意笔用草,工笔用楷。”
题款切忌“平齐”、“四方”、“刻版”,而要“通气”、“灵光”,要长短相间,高低有致,有参差错落的变化。 一幅中国画,不但作者的名字可以写上,连作画的时间、地点都可以写上;还可以题上诗词和跋语,这叫做题款,也有人叫做落款。落好款,还需要盖上印章,这叫做用印。国画,就是少不了落款与用印。但是初学画者,只重视画,往往忽略如何落款和用印。其实,凡学画的同时,都应该注意及此。 落款要注意两个方面:一是书法要练得好,书法不好,写在画上,便要影响画面的美观;二是要有一定的文学修养,起码要能文理通顺,否则一落款,差错百出。
在历史上,诗,书、画、印四者全能的画家不少,如西蜀八家中的奚铁生、黄小松等,都是善画能诗,善书精篆刻。近、现代画家中如赵之谦、吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿、傅抱石等,无不如此。至于诗、书、画三者兼能的,更是不胜枚举。题款有多种情况,一种作者自己题款,另一种,他人在画上题诗书跋。本文仅就作者自己如何题款,略述一二。
一、落名款
落名款,即在画上写作者的姓名,或者再写上作画的年月与地点。画上只写作者姓名的叫单款,如果这幅画送给某某同志,将某某的名字也写上,这叫做双款。
款书写得多的叫长题。有些作品,作者在画上一书再书,多至三、四款,再加上他人题字,几乎在一幅画上,好多处有款字,这叫做“落花款”,犹如花朵落在画面上一样。如果一幅大画,在画面上,显然可以多写一点,然后作者只书姓名三个字或者加个年月,别无他书,在明末清初之时,往往被称之为“穷款画”。金冬心在长题一幅《瘦梅图》中就提到“穷款画欠佳??莫作穷款画匠”等。不过有些画,不题字完全可以,那也不必非题不可。象这样的作品,即使只有三、五字的款书,切不可乱戴帽子,说它是“穷款画”。
二、落款题诗有助画意
画上题诗,题得好,不只是锦上添花,还可以使平凡的画材成为不平凡。故云“妙款一字抵千花”。例如元代王冕,他画了一幅《墨栅>,如果不题诗,’无非是一幅技法较高的梅花小品,当他在画上题着“不要人夸好颜色,只流清气满乾坤。”就使这幅画的题意深化了。作画者的思想感情,也就因此而在这幅画上洋溢出来。又如一幅明代无款的巨幅《梅花图》,描绘千技万蕊的白梅盛开,作者用隶书题“一林春雪”四字,这就使读者产生很多的联想,画也随之更富生趣了。还有如扬州八怪之一的金浓,他画了一个士大夫高卧荷亭之中,作者题上了“风来四面卧当中”,便使画中这个士大夫的那种不问世事,自鸣清高的神态,活生生地突了出来,从而使这幅画的主题思想也更加显露。
再举几个例子:黄鼎画了一幅水墨的《云山图》,构图极平常,题了一首六言诗,四句四问,由于问得好,问得有趣,竟把画中的云山似乎也“问”得舞动起来了。这首诗是:“门外水流何处? 天边树绕谁家? 山色东西多少? 朝朝几度云遮?”表面是问,其实对景物已经作了形象的描绘。近人齐白石画两只小鸡争夺一条蚯蚓,本是极平常的绘画题材,由于作者题上“他日相呼”四字,画意就由平凡变为不平凡。近入作品中,题得妙的也不少。但是,也有不少作品的题句,简直是不巧妙的标题。如画俩工人一起在炉旁打铁,题曰“干劲冲天”;画一株瓶梅和一盆兰花,笔墨章法都不错,却题曰“香气满书房”,许多观众说:“可惜,可惜! 文学意趣太少了。”
谈到这里,不能不提一提诗与画的血缘关系。在我国的诗词中,可以入画的诗词比比皆是。有些诗,
使画家读了,画性油然而生;有些诗,本身俨如一幅画,“诗是无形画,画为不语诗。”说得形象极了。北宋苏东坡评唐代王维“画中有诗,诗中有画。”八百多年来传颂不已,并被人们看作是对一个诗人画家的高度称赞。王维的“杨柳青青渡水人”等句,都是历代公认的“诗中有画”。其他如“好山行恐尽,流水语相随”; “野水多于地,春山半是云”; “春水鸭头绿,晓山螺髻青”; “春水渡边渡,夕阳山外山”;“落木萧萧疏雨霁,泉声飞出万重山”; “隔水丛梅疑是雪,近人孤嶂欲生云。”以及断句如“鸦背夕阳红”,“云山隔岸青”等,都是有画的形象。通常说, “诗画可合璧”,可见其一斑。
三、 “题画无妨书画理”
中国画的款书,它的内容除上述外,还可以题写画理画法。嘉庆时的花鸟画家顾崧(翼庭) 在课徒画稿中写道: “题画无妨书画理,一枝一叶自生情。”道理说得很明白。
历代的画论著作中,有一些就是作者把平日题画的底稿汇集起来成为一册的。恽格的《南田画跋》,王原祁的《麓台画跋》,金农的,《冬心画竹题记》,奚冈的《冬花庵题画绝句》,潘曾莹的《小欧波馆画寄》等都是。有人问:画上书画理画法,岂不是太乏味。实则乏味与否,关键不在题画理画法,而是看你怎么行文,怎么个题法。李方膺题《梅杷》“触目横斜千万朵,赏心只有两三枝。”郑板桥题《竹》云:“四十年来画竹枝, 日间挥写夜间思,冗繁削尽留清痿,画到生时是熟时。”既反映了他那认真创作的态度,又反映了他对绘画创作中的特殊规律的深刻体会。题上这样的画理诗,更使作品增加了生趣。齐白。石题石涛画说:“胸中山水奇天下,削去临摹手一双。”黄宾虹题画嘉陵山水图,有句云:“我从何处得粉本,雨淋墙头月移壁。”如此等等,都与绘画作品是完全合调合拍的。
四、款书有助章法和增强画面的美观
一幅画,都有候款处。换言之,款有款式。不但落款的位置要选好,甚至写单行或写双行都要考虑到,否则,画面就要受到破坏。故宫藏画中,不少经过清官的收藏,乾隆在一些名画上任意题字,尤其是用印,有盖三玺、五玺、八玺不等,把一幅好端端的名画,犹如贴上许多膏药,大损美观。反之,落款、用印得体,则有助画面的布局。有些长卷,图中所画,各不相连,只要款书提得好,不但补救其缺陷,而且增加其美观。如陈白阳的《四季杂花图卷》,画中有梅,芍药、秋葵、金桔、葡萄等二十多种花果,虽有几枝交错着,基本上不相搭界,而作者用行草长题,书法整整斜斜,参参差差,有的八、九字成行,有的二,三字成行,有的字粘着画,把虚处填实,有些空灵处,不去着一字。如此一题,布局完整,处处呼应,且使密中有疏,疏中有密,变化多样,令人悦目。八大山人、石涛、齐白石,有时作画,在一幅大画中,只画一只小鸟或一、二只小鸡,或一朵花、几片叶,但是,他们题上一片好款书,立即使画面丰富起来。齐白石的《牵牛花>,花居中上部,画边是藤条,布局较疏散,但他在画的一边书写两行整齐的款字,就使画面立时改观,获得“不齐之齐”的艺术效果。
文人画是中国画的最高境界,对这一境界起主导作用的
是诗歌与散文。宋、元时期大量的诗文成了中国画的创
作题材,随之而来的是收藏家或鉴赏家们以精美的书法
及优秀的文辞为形式的题款的出现。题款艺术成了中国
画的一个有机组成部分。这一特征使中国绘画由低级到
高级逐渐完善。题款为我们提供了重要的文献资料。研
究中国画题款,对研究中国美术史有着重要的意义。
一、中国画题款的产生和发展
题款,是在画面上书写文字。这种文字有多有少,
多则几百字,少则一两字。款最早出现于殷商时期的钟
鼎的“款识”,后来逐渐用于中国绘画。在外的文字为阴刻称款,在内的文字为阳铸称识。钟鼎款识的产生成了中国画题款艺术的萌芽,但它还不属中国画款识的范畴。
题款和绘画本身一样,起初都是为了适应社会的需要而产生的。唐代张彦远在《历代名画记》中说:“画者,成教化,助人伦,穷神变,测幽微,与六籍同功。”又说:“存乎鉴戒者,图画也”,正因为图画要
达到“成教化,助人伦”,“存乎鉴戒”的目的,题画便应运而生了。最初题在画上的文字,是汉代人物
画的题榜。《汉书。苏武传》载:“汉宣帝甘露三年,单于始入朝,上思股厷@①之美,乃图其人与麒麟阁,法其形貌,署其官爵姓名。”这里说的“法其形貌”,就是按各位功臣的形貌画像;“署其官爵姓名”,是指在各位功臣的画像旁边题写上各自的官爵姓名,这就是题榜。由于题写了各人的官爵姓名,观画的人就能一目了然分别出画中的对象,题榜起到了点明人物身份,间接说明绘画内容的作用。既然画功臣烈士像是为了表彰功勋,那么单“署其官爵姓名”,就自然显得不够。最好的办法还是借助文字加以补充,而采用“赞”这种文体,来颂扬功臣烈士的业绩,是最合适的。因此,在题榜的基础上,便产生了题画赞。东晋初,题画赞有了进一步的发展,不仅有以叙事为主的人物赞,而且出现了以咏物和客观描写的品物赞。在题画赞的基础上形成题画诗,题画诗在唐代得到很大的发展,给中国绘画史开创了一个新纪元。
二、中国画题款艺术的形式美
沈颖说“元以前多不用款,或隐之石隙,恐书不情有伤画局,后来书给井工,附丽成观”。中国的诗、文、书、画是姊妹艺术,从北宋起,即有一些文人画家如苏东坡、文同等人,他们兼擅众艺,从过去画面上藏画家姓名于树根石隙,一变而为题字加款,逐渐突出出来,有的题词,有的吟诗抒发画意,调整布局,增加文学的气氛,形成了中国画诗、书、画为一体的特色。
清代的郑板桥、石涛等,几乎每画必题,有题在自己作品上的,也有请友人品题或后来的鉴定家题跋的。当然,每个画家的专长不同,并不能因此而要求国画都要有题跋,象明代画家仇英即不善于题字和书法,其画作很少题款。如果是长于属文咏诗的画家,并且又工于书法,题跋可为画面增色。
题诗、词可以自作,也可以是古人的,但一定要与画意相一致。短题长题都可以,有的只题一句古诗,也可以意味深长。沈颖说一幅画画完“有天然候款处,失之则伤局”,可见最好还是以不伤画局,而要与画的构图紧密呼应为好,在构图前即把题字的位置计划在内。
题字的书体要与画的工写程度相一致,如一幅工笔人物画,题上一篇狂草就不大适应,反之写意画题上工整的小楷也不配合,妙在于相体行事。题字可起到稳定、补足画局的作用,一般在空白处题字,但有的空白是画面需用空灵透气的地方,一题字反而感到迫促变塞,反而不如在不太明显的地方题字更好。
如果书法素无基础,不必勉强题上许多字,应该藏拙,应在适当位置上题上姓名就行了。即使题上两个字的名字,也要慎重选定位置,先用纸片写上名字后随摆随看,直到找好恰当位置,再写上去。
题款空间位置选择得当,画则因题而增色;反之,如果题款空间位置选择不当,也会破坏画面的总体效果。虽然题款并非画中的主题,但经题入画中,也便成为画中不可分割的一部分。清人张式在《画谭》中说:“题画须有映带之致。题与画相发,方不为羡文,乃是画中之画,画外之意。”可见题画空间位置的选择,对于绘画作品的成败,具有重要的意义。
1.题款位置的选择
要将题画的空间位置用文字规定出来,那是困难的,也是不切实际的。
我们可以大致把它归纳出几点。
1) 化虚为实 平衡画面
画中的“虚”,主要指画中的空白,同时也包括画中笔墨轻淡、分量
轻薄的部分。画中的空白,在有的作品中显得比较平稳,有的作品中
则显得比较奇险。但不论这些空白平稳还是奇险,如果在画中使人感
到空虚,可以借题款来调整画面的空虚。
以题款补充画面空虚,一方面可使画面得到充实,另一方面可增加画
中物象之间的呼应。有些画中的空白,不在画的上下部分,而是在画
的中间部分,将画中描绘的物象分隔开来,使物象与物象之间失去了
联系的呼应,造成画面视觉上的散漫。在这中情况下,题款就能起到
联系物象、统一画面、化散为聚的作用。如齐白石的〈墨兰〉,画中
画了三簇兰花,画的上半部画了一簇,下半部画了两簇,中间部分为
空白,上面一簇兰与下面两簇兰相互脱离,呼应不着,造成了画上的
散。但是画家在三簇兰之间的空白处,题上了“罢看舞剑忙提笔,耻
共簪花花倚门”的诗句,画面气机立即改观,原来呼应不着的三簇兰与题款便凝聚成一片整体,而且给人以别出心裁恰到好处的艺术感受。
在中国画中,画家往往将画中物象的重量偏置于画的一边,或偏于上,或偏于下,或偏于左,或偏于右,使画中与之相对应的另一边失去重量,而造成画面的不平衡,在借题款使之获得新的平衡。如潘天寿的〈睡鸟〉,画的重心偏于左下部,画的右上部便显得与下部不平衡,画家在右上部行款,使画面取得了平衡。
2) 因势随形 加强气势
根据画中物象的气势布款,能更加增强画中物象所体现的那股气势,使这股气势更加深厚,或与画中物象所表现出的气势交叉变化,以增加画面的气势,或顺延于物象,或隐形于物象,增加画中的气机和趣味。因势布款,与画中物象的具体形象和位置均有密切的关系,画家用的巧妙,既可增强画的气势,同时也增加了画的趣味。如徐渭的〈榴实图〉(图例),石榴枝干上面空出画幅的五分之二,画家题写了五绝一首:“山深熟石榴,向日笑开口:深山少人收,颗颗明珠走。”题诗与石榴枝干成行,既增长了石榴枝干的气势,又增长了画中的趣味。又如郑板桥的〈墨竹〉(图例),画家在竹竿之间题款,增加了画面气机和趣味。
3) 多处题款 活泼画面
画中题款要根据画面的具体情况来决定,并非所有的画面都要题款,款文的长短其占据的空间位置,也要从画面实际情况出发,如果为题款而题款,不免有画蛇添足的感觉。但是,有些画面不仅不可缺少题款,而且单题一款尚嫌不足。需要多处题款。总之,要看画面的具体情况决定。如吴昌硕的〈红梅〉(图例),题两处款,如果隐去画中任何一款,整个画面的平衡就会遭到破坏。
2.书体的选择以及墨色的变化
画上题款,要求书法雅美,如果书法欠佳就会破坏画面。题
款不仅要求书法精美,有时题款的墨色也要加以变化。
1)书体的选择
题款要求款书与画意相和谐,笔法相统一,因此题款书
体必须有所选择。譬如画是泼墨大写意,而用工整的小楷题
款,或者工笔画用草书题款,显然都是不适当的。中国画有
工笔、写意、兼工带写、大写意等不同的表现形式,表现形
式的不同,对题款书体的要求也不相同。一般工笔适合用篆
书、隶书或楷书来题款;写意适合用篆、隶、行、草书来题
款;兼工带写适合用篆、隶、楷、行书来题款;大写意适合
用篆、隶、行、草书来题款。但是艺术的法无定法的,在特
殊情况下,是可以而且应该变通创造的。总之,题款的书体
和笔意,应与绘画的意境、格调、笔意相统一,使画面的整
体谐调而完美。
宋赵佶在〈芙蓉锦鸡图〉(图例)上题诗云:“秋劲
拒霜盛,峨冠锦羽鸡。已知全五德,安逸胜凫yī@②”。诗
以书法“瘦金体”的风格书写,画面以流畅的线条勾画出锦
鸡的丰润,华画静雅的画面同他的“瘦金体”书法意趣天
成。
金农的〈墨梅图〉(图例),立意和穆,用笔质朴奇拙,再以他那古朴厚拙的独创体漆书题款,在意趣和笔法上都得到了高度的统一。再如郑板桥的〈兰竹〉(图例),更是以书法入画,以画意入书,书与画相互渗透,无论气质、意趣、风格等方面都达到相溶相化的高度统一。如果把郑板桥的书体与金农的书体相对换题在画上,那么画面的谐调势必受到破坏。然而题款书体与画意的相吻合,又不能机械地追求,而应是灵活的运用。画家个人的擅长有异,艺术和修养不同,这些都决定了题款书体选择的多样化。
2)墨色的变化
无论工笔还是写意的作品,在一般情况下均以浓墨题款。但在某些特殊的作品上,题款的墨色就要加以变化,齐白石曾在题画中说:“予就作画之淡墨水笔写名字,此前人多为之,非做作也。”题款墨色的变化,与画的意境有密切的关系。
3)款文的排列
题款文字的排列,无论字距、行距,均以密为宜,疏则有松散感。款书横题,如题款字体为篆、隶、楷书多应齐头齐脚。如钱松岩的〈红岩〉(图例)。如果题款字体为行草,可头齐脚不齐。款书直题,书体不论篆、隶、楷、行、草,多应齐头齐脚。题款文字的排列,或横或直,行列或多或少,上均宜平头,下不妨参差,这就是清人邹一桂在《小山画谱》中所说的“所谓齐头不齐脚也”。
总结:题款在画中的形式是千变万化的,以上是就其大致的类别以图例加以剖析,目的在于启发读者对题款艺术的思索,以便于在艺术实践中,能把握运用题款艺术的能动性,在继承前人题款艺术的基础上,使题款艺术不断地得到创新和发展。
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